Verschiedene Kunststile: Von der Romantik zur Moderne

Es wäre eine unmögliche Aufgabe, alle Kunststile aufzulisten, die es jemals gegeben hat. Jede Aufzählung ist unvollständig und muss die historisch überwiegend weiße, männliche europäische Darstellung der Kunstgeschichte widerspiegeln. Wir können uns einen Spaziergang durch ein Museum vorstellen – etwas, wonach sich viele von uns sehnen. Wir werden unseren Blick auf die Werke richten, die wir sehen, und durch die imaginären sieben Räume wandern. Diese werden unterschiedliche Stile, Trends und gesellschaftspolitische Stimmungen aufzeigen. Wir treten ein und folgen der Sammlung von der Romantik bis zur Moderne…

Romantik (1770-1850)

Dies ist die Zeit des Erhabenen und der großen Themen. Natürlich ist das erste Gemälde dieses Rundgangs eines, das die Unermesslichkeit Gottes zeigt, die sich in der Natur widerspiegelt und in der sich der Mensch verlieren kann: Wunderer über dem Nebelmeer von Caspar David Friedrich (1818). Das zweite Werk in diesem Saal behandelt die gesellschaftspolitischen Themen, die in diesem historischen Moment, der Französischen Revolution vom Juli 1830, poetisiert werden. Die Freiheit, die das Volk anführt, von Eugène Delacroix (1830) ist perfekt skulptural, mit der Freiheit an der Spitze, die die französische Fahne schwenkt, aber gleichzeitig auch von grober Dramatik. Die nordeuropäischen Romantiker und die französischen Romantiker unterscheiden sich, wobei die Bescheidenheit der ersten nicht in der zweiten zu finden ist. Aber die romantische poetische Linie ist in beiden Gemälden präsent.

Präraffaelitische Bruderschaft (1848-1855)

Kommen wir zum zweiten Raum: die Präraffaeliten. Diese Gruppe wurde in Opposition zu den romantischen, idealisierten Landschaften der Vergangenheit gegründet. Sir John Everett Millais‘ Ophelia (1851-2) hängt an unseren imaginären Wänden. In diesem Gemälde ist alles organisch, rein und auf die Natur ausgerichtet. In der Mitte des Bildes schwebt Shakespeares Figur Ophelia aus Hamlet, die im Fluss ertrunken ist. Aber sie ist ein Teil dieser natürlichen Szene, und die Bedeutung der natürlichen Elemente wird durch ihre Symbolik hervorgehoben. Die Blumen, Rosen, Weiden und Gänseblümchen, stehen für Liebe, Schmerz und Unschuld.

Schule von Barbizon (1830-1870)

Neben diesem Gemälde ist ein weiteres beeindruckendes Werk zu sehen: Die Sammlerinnen von Jean-François Millet (1857). In diesem Gemälde der französischen Schule von Barbizon aus der Mitte des 19. Jahrhunderts stellt Millet die Arbeit der Unterschicht und das bäuerliche Leben dar. Es ist eine subtile Erinnerung an die großen Themen der Französischen Revolution und den Aufstieg des Sozialismus – und wurde deshalb von der Kritik nicht gut aufgenommen. Die Bewegungen der Arbeiter sind unterbrochen und verlangsamen ihre mühsame Arbeit. Die Komposition lenkt den Blick auf ihre gebeugte Haltung im Vordergrund, die im Kontrast zu der weit entfernten und verblassten Ernte und dem Verwalter steht, der ihre Arbeit überblickt. Das Bild ist einfach und doch repräsentativ für eine Klasse, mit einem Naturalismus, der an die Suche der Romantiker nach Trost in der Natur erinnert, aber ohne das Drama.

Realismus (1840-1880)

Das letzte Gemälde in diesem zweiten imaginären Raum, Gustave Courbets Das Atelier des Künstlers (1855), befasst sich ebenfalls mit dem Thema des zeitgenössischen Lebens. Nach Courbets Worten wollte er „lebendige Kunst“ schaffen. Dieses Gemälde repräsentiert alles, was für ihn von Wert ist, und die Realität, die ihn (buchstäblich) umgibt, ist das eigentliche Thema seines Werks. Seine Freunde, Menschen, die er kennt, und sogar die Armen verdienen einen Platz. Es gibt viele Allegorien, die symbolisch seine Sicht auf die gegenwärtige Welt darstellen. Die Frau an seiner Seite zum Beispiel steht für die künstlerische Tradition. Der Hund steht für seine Treue zur Kunst, zu seinem Werk. In dem Werk zeigt er seinen Stolz und die Bedeutung des zeitgenössischen Lebens – anstelle der von der Akademie bevorzugten mythologischen oder historischen Themen.